전공자의 눈으로 다시 읽는 유럽 회화의 다층성
예술을 공부하면서 가장 크게 느끼는 건, ‘보는 눈’은 시간이 갈수록 달라진다는 점이다. 처음에는 단순히 예쁘다, 대단하다, 기술이 뛰어나다는 관점으로 작품을 보게 되지만, 점점 그 작품이 태어난 시대적 맥락, 작가의 삶, 표현 방식과 철학적 태도까지 함께 읽어내게 된다.
나 역시 처음엔 눈에 확 들어오는 색감이나 화려한 구성이 눈길을 끌었지만, 시간이 갈수록 눈에 밟히는 건 오히려 조용한 색채, 묵직한 시선, 의도된 단순함 같은 것들이었다. 그런 면에서 유럽 화가들, 특히 오늘 소개할 세 명—앙리 마티스, 피터 브뤼겔, 구스타프 클림트—는 단순히 유명한 작가를 넘어, '시선의 방향’을 고민하게 만든 인물들이다.
예술 전공자로서 내가 이 세 사람을 좋아하는 이유는 명확하다. 그들의 작업은 단순히 ‘어떻게 그렸느냐’보다 ‘무엇을 보았느냐’, 그리고 ‘어떻게 세상을 받아들였느냐’에 더 집중하고 있다는 점이다. 그들의 그림은 화려하거나 눈에 띄는 스타일을 넘어서, 자신만의 언어로 세계를 해석하고 표현하려는 진심이 담겨 있다. 그리고 그 태도야말로 전공자가 반드시 깊이 있게 바라봐야 할 지점이라고 생각한다.
그래서 오늘은 내가 자주 돌아보는 세 명의 유럽 화가, 앙리 마티스, 피터 브뤼겔, 구스타프 클림트를 중심으로 이야기해 보려 한다. 이들은 각자 다른 시대와 배경, 스타일을 가졌지만, 색채, 일상, 장식이라는 키워드를 통해 독특한 회화적 세계를 구축했다. 전공자라면 이들의 회화를 단순히 ‘스타일’이 아닌 ‘시선’으로 읽어야 한다고 생각한다.
각각의 주제는 내가 직접 느꼈던 감정과 함께 풀어볼 예정이다. 이 글이 ‘작품을 분석하는 글’이라기보다, ‘작품과 함께 사유했던 흔적’처럼 읽히기를 바란다. 예술을 사랑하는 전공자라면, 그 마음도 함께 공감해 줄 수 있지 않을까.
1. 마티스의 색채 철학: 단순함 속에 담긴 자유의 논리
앙리 마티스를 처음 접했을 때, 솔직히 고흐와 피카소 사이 어딘가에서 맴도는 이름처럼 느껴졌다. 강렬한 색채, 납작한 구도, 추상과 구상의 경계를 넘나드는 화면은 한눈에 보기엔 감각적이지만, 전공자로서는 쉽게 분석이 안 돼 당황스러웠다.
하지만 마티스를 공부할수록 그의 ‘단순함’이 얼마나 깊이 있는 미학적 태도였는지를 깨닫게 됐다. 그는 색을 단지 현실의 재현이 아니라, 감정과 구조를 전달하는 도구로 사용했다. 그의 말처럼 “나는 사물의 본질을 표현하고 싶다. 그 외의 것은 모두 제거한다.”는 태도가 바로 그의 회화 철학이었다.
특히 <붉은 방>이나 <춤> 같은 작품을 보면, 색이 공간을 지배하고 있음이 느껴진다. 그는 색채로 공간을 열고 닫으며, 회화가 이차원의 평면임을 인정하면서도 그 속에서 얼마나 자유로운 구성과 질서를 만들어낼 수 있는지를 끊임없이 실험했다.
나는 마티스를 ‘화면 위에 감정을 설계하는 화가’라고 생각한다. 회화의 본질이 ‘보는 것’에 있다면, 그는 보는 방식 자체를 재구성했다. 전공자로서 배운 가장 큰 교훈은, 회화란 단지 그리는 것이 아니라 ‘보는 구조를 바꾸는 힘’이라는 것이다.
마티스는 내게 이렇게 말했다. 단순한 것이 가장 깊을 수 있고, 자유란 절제된 언어 안에서 더 강하게 발현된다고. 그의 색채는 그저 예쁜 것이 아니라, 가장 논리적인 자유였다.
2. 브뤼겔의 일상 세계관: 민중의 삶을 비춘 사실적 시선
피터 브뤼겔은 내가 처음으로 ‘화가가 사회를 읽는 방식’에 눈을 뜨게 해준 인물이다. 대부분의 르네상스 화가들이 신화나 성경에 집중하던 시절, 브뤼겔은 평범한 사람들의 일상으로 시선을 돌렸다.
그의 대표작 <눈 덮인 사냥꾼>, <농민의 결혼식>, <바벨탑> 등을 보면 알 수 있다. 그는 단순히 사람을 그린 것이 아니라, 시대와 공동체, 인간의 조건을 통찰한 화가였다.
<농민의 결혼식>을 처음 봤을 때, 나는 거대한 파노라마 속에서 움직이는 인물 하나하나가 실제로 존재하는 사람처럼 느껴졌다. 리듬감 있는 구도, 자연스럽고 세밀한 제스처, 서로 다른 표정과 역할들. 그 안에는 단지 농촌 풍경이 아니라 ‘삶의 진실’이 담겨 있었다.
브뤼겔은 당시 종교개혁, 정치적 혼란, 인간의 오만에 대해 강한 비판 의식을 가졌고, 이를 회화 속에 유머와 풍자, 아이러니로 녹여냈다. 전공자로서 그에게 배운 점은 단 하나, ‘화면은 진실을 숨기지 않는다’는 것이다.
나는 그의 그림을 볼 때마다, 지금 우리가 어떤 시선을 예술로 표현하고 있는지 묻게 된다. 브뤼겔은 민중의 시선에서, 가장 사소한 일상 안에서 역사의 단면을 포착해냈다. 그건 단지 기술이 아니라, 태도의 문제다. 예술가는 무엇을 바라보는가, 그 시작점이 얼마나 중요한지를 그는 보여준다.
3. 클림트의 황금 감각: 장식과 감정이 만나는 찰나
클림트를 처음 마주했을 땐 솔직히 말해 ‘예쁘다’는 생각이 먼저 들었다. 황금빛 장식, 여성의 곡선, 패턴의 반복. 너무나 아름답고 감각적인 그의 그림은 처음엔 디자인처럼 느껴지기도 했다.
하지만 <키스>라는 작품을 오래 바라본 후, 그 안에서 단순한 장식이 아니라 ‘감정의 패턴’을 발견했다. 두 인물이 맞닿은 순간, 그들의 표정은 거의 지워져 있지만, 몸을 감싼 장식은 오히려 감정을 설명한다. 여성의 드레스는 꽃처럼 부드럽고 유기적이며, 남성의 망토는 단단하고 직선적이다.
클림트는 ‘보여지는 것’의 본질을 꿰뚫었다. 장식은 단순한 꾸밈이 아니라, 감정의 표면이었고, 아름다움은 욕망과 불안을 동시에 담는 복합적인 코드였다.
그는 세기말 빈에서 활동하며, 정신분석, 상징주의, 에로티시즘을 복합적으로 조합해낸 인물이다. 나는 그를 단순히 ‘황금의 화가’라고 부르지 않는다. 그는 ‘시각적 심리학자’였다.
전공자로서 클림트를 통해 배운 가장 중요한 점은, 장식도 깊을 수 있다는 사실이다. 그리고 감정은 겉으로 표현되지 않아도, 그 표면에 남는 흔적을 통해 충분히 전달될 수 있다는 것.
클림트는 ‘예술은 삶과 분리되지 않는다’는 사실을, 그 누구보다 시각적으로 선명하게 증명한 화가다. 그래서 나는 그가 가장 현대적인 예술가 중 하나라고 생각한다.
해석이 아닌 사유로, 유럽 화가들과 나란히 걷다
예술을 전공한다는 건, 단지 정보를 많이 아는 것을 넘어서, 작품과 함께 ‘사유하는 시간’을 얼마나 오래 버티는가에 달려 있다.
마티스, 브뤼겔, 클림트. 이 세 사람은 각자 다른 언어로 회화를 말했지만, 공통적으로 ‘자기만의 시선’을 끝까지 밀어붙였다는 점에서 전공자가 꼭 들여다봐야 할 인물들이다.
나는 그들의 그림을 단순히 분석 대상으로 보지 않는다. 마티스는 색을 통해 감정을 정제했고, 브뤼겔은 일상에서 세계를 읽었으며, 클림트는 장식으로 인간의 심리를 들춰냈다. 그 모든 행위가 지금 우리의 작업 방식에도 직접적인 영향을 준다고 생각한다.
전공자로서 중요한 건 ‘무엇을 알았느냐’보다 ‘어떻게 보았느냐’이다. 내가 오늘도 이 화가들을 다시 찾아보는 이유는, 그들이 남긴 질문들이 여전히 유효하기 때문이다.
우리는 늘 해석하려 하지만, 때로는 멈춰서 느끼는 것이 더 중요할 때가 있다. 그래서 이 글도 설명이 아니라, 하나의 ‘느낌’으로 읽히기를 바란다. 다음에도, 나만의 감각으로 읽어낸 또 다른 화가들의 이야기를 이어가려 한다.
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